Histoire :

Dans une banlieue ouvrière de Tel-Aviv, deux solitaires se rencontrent. Il est chauffeur de taxi, elle est professeur de musique. Il est en panne de projets. Elle a renoncé aux siens depuis longtemps. Quelles chances ont-ils de démarrer une histoire d’amour ensemble ?
Une histoire pleine de charme et de légèreté, sur fond de chansons françaises des années 60 et 70.

A l’origine du projet
C’est à la suite de son court-métrage de fin d’étude que le réalisateur rencontre pour la première fois l’actrice Helena Yaralova qui occupe déjà le rôle principal. Marqué par sa performance, il décide d’écrire le scénario de son premier long-métrage autour d’ »un personnage qui aurait la quarantaine et qui serait russe, comme elle. » Sa première version ne le satisfait pas. Il décide donc d’y retravailler avec Erez Kav-El, reconnu pour son travail d’écrivain, qui lui conseille alors de tout reprendre à zéro en ne gardant que les personnages.

Réalisé par Leonid Prudovsky
Avec: Helena Yaralova, Dror Keren, Vladimir Friedman.

Durée : 1h30
Production : 2008
Titre Original : Hamesh Shaot me’Pariz
Titre International : Five hours from Paris
Pays : Israël

Le cinéma Mograbi a ouvert ses portes en 1930. Le bâtiment de l’architecte Yosef Berlin a été conçu dans le style Art déco, très en vogue à l’époque pour les cinémas du monde entier.
« C’était comme la construction des pyramides », ont déclaré les ingénieurs du bâtiment de l’époque. Les 12 marches menant de la rue à ses portes renforçaient le sentiment que l’on entrait dans un temple.

Les investissements importants avaient pourtant laissé l’ouvrage sans toiture les premières années ; le toit ouvrant n’a été construit que dans un 2e temps.

La place devant le cinéma Mograbi est devenue un lieu de rencontre bien connu. C’est là par exemple que les foules se sont rassemblées pour danser dans les rues lorsque l’assemblée générale des Nations Unies a adopté la résolution de partage en novembre 1947.
Dans les années 1960, alors que des bâtiments de plus en plus hauts sont constituent à Tel-Aviv, les centres de divertissement se déplacent vers le Nord de la ville.
Le mauvais entretien du bâtiment a également contribué à la disparition cinéma Mograbi. Il a pris feu à l’été 1986, à la suite d’un court-circuit électrique, et fut ensuite démoli. La Municipalité a alors décidé que la façade originelle serait reconstruite dans le cadre d’un nouveau centre commercial existant dorénavant sur le même emplacement.

Histoire :

A seulement 5 heures de vol de Paris, dans la banlieue de Tel-Aviv, deux solitaires se rencontrent. Lui est chauffeur de taxi. Elle est professeur de piano. Lui n’a jamais quitté Israël, elle est en transit entre deux pays. Lui a délaissé toute ambition, elle a abandonné ses illusions. Tout deux redoutent l’avion qui les attend : il a la phobie des airs et doit pourtant s’envoler pour Paris où sera célébrée dans quelques jours la bar-mitsva de son fils, elle ne sait plus si elle doit prendre l’avion qui l’emmènera au Canada où son mari doit s’installer.

A cinq heures de Paris, il y a Bat Yam, ville de la banlieue de Tel-Aviv. Lieu d’action du film, c’est également la ville de l’adolescence de Leon Prudovsky, qui signe ici son premier long métrage. Le réalisateur revient sur cette terre pour nous raconter la rencontre amoureuse entre un homme et une femme.

Réalisé par Leonid Prudovsky
Avec Helena Yaralova, Dror Keren, Vladimir Friedman.

Durée : 1h30
Production : 2008
Titre Origina

l : Hamesh Shaot me’Pariz
Titre International : Five hours from Paris
Pays : Israël

Un film puissant et remarqué : mention spéciale de la Caméra d’or à Cannes, nomination aux Oscars ou encore en Israël, où il a été couvert d’Ophirs (les Oscars israéliens).

Nous suivons ici la trajectoire de plusieurs personnages (flics, réfugiés, petits truands…) réunis le temps d’une catharsis finale. Divisé en chapitres, le récit se compose de blocs narratifs, créant un ensemble volontairement déstructuré. Les deux cinéastes maîtrisent leur sujet et font de ce drame haletant une oeuvre sensible, exigeante et humaine.

L’histoire : Le quartier d’Ajami, à Jaffa, est un lieu cosmopolite où cohabitent Juifs, Musulmans et Chrétiens.

Le jeune Nasri, âgé de 13 ans, et son grand frère Omar vivent dans la peur depuis que leur oncle a tiré sur un membre important d’un autre clan. Malek, un jeune réfugié palestinien, travaille illégalement en Israël pour financer l’opération que sa mère doit subir. Binj, palestinien, rêve d’un futur agréable avec sa petite amie chrétienne. Dando, un policier juif recherche désespérément son jeune frère disparu…

L’histoire de destins croisés au coeur d’une ville déchirée.

Réalisé par Scandar Copti et Yaron Shani.

Avec Shakir Kabaha, Ibrahim Frege, Fouad Habash.

Long-métrage israélien .

Genre : Drame

Durée : 01h58min

Année de production : 2009

Elle se tiendra du 6 au 15 mai 2010 à Tel-Aviv.

Si vous avez produit un film après janvier 2009, tentez votre chance…

L’inscription gratuite et la date limite est fixée au 15 janvier 2010.

Règlement et formulaire d’inscription :
www.docaviv.co.il
informations et renseignements :
info@docaviv.co.il

L’équipe de Judaïciné vous souhaite bonne chance !

Construite aux côtés de la ville arabe de Jaffa, Tel-Aviv résume à elle seule les contradictions israéliennes. Tout à la fois protégée et exposée au conflit, bouillonnante d’énergie, elle se vit comme une “bulle” pour reprendre le titre du film d’Eytan Fox, ou un “sas” entre plusieurs mondes comme l’écrit le journaliste Benjamin Barthe. Voilà pourquoi Tel-Aviv n’est pas une ville
comme une autre.

Un cinéma politique

Les cinéastes ne s’y sont en effet pas trompés : pas un film qui n’évoque la menace des attentats (Avanim, The Bubble) ou des agressions pendant la guerre d’Irak (Le Chant de la sirène, Autour de Yana), la pression du service militaire (Alila, Yossi et Jagger),
les tensions entre communautés au sein de la ville (Jaffa, La Vie selon Agfa), l’arrivée massive de travailleurs étrangers illégaux
suite au durcissement des passages entre les territoires palestiniens et Israël (Janem Janem), mais aussi la résistance à cette configuration géopolitique que beaucoup n’ont pas choisie, et l’urgence de vivre vite et fort qui caractérise si bien cette ville. En revanche, mais ce n’est pas un hasard, le cinéma palestinien a peu représenté cette ville nouvelle, symbole du projet sioniste fondateur, et quand il l’a fait, c’est non sans une certaine amertume (Paradise Now, Le Sel de la mer).

Une bulle sous tension

Une ville qui ne dort jamais dit-on (comment le pourrait-elle ?). Cette effervescence, cet hédonisme affiché ne sont-ils pas une position politique ? Tel-Aviv, la ville qui refuse la pression religieuse face à Jérusalem qui se radicalise et qui tente difficilement d’exister sous la domination religieuse. La troisième, quatrième génération de jeunes Israéliens doivent composer avec ces contradictions fondamentales, cette schizophrénie. Oublier l’environnement politique, s’étourdir dans une ville qui ne dort jamais, à l’extrême liberté de moeurs, à l’imitation des grandes villes occidentales, et qui ne cesse d’être rattrapée par la réalité politique. Ainsi dans The Bubble, cet amour israélo-palestinien qui finit par être impossible.

Tel-Aviv, à l’image de l’identité israélienne

Car Tel-Aviv ne peut se résumer à la “Bulle”, même si les porosités avec le reste de l’État apparaissent finalement assez peu dans le
cinéma israélien contemporain. Peu de circulation visible entre Tel-Aviv et les autres villes, comme Jérusalem ou les territoires occupés qui mettraient Tel-Aviv en relief, ou en creux, qui permettraient d’en comprendre les spécificités. Les réalités politiques du pays prennent une autre dimension, présentes et absentes à la fois, traitées sur un mode poétique (Les Méduses) ou autobiographique (Depuis Tel-Aviv).
“À Tel-Aviv, l’identité n’est pas encore faite. (…) À l’image de l’identité israélienne qui est à la fois antique et moderne (…) des forces antagonistes s’y opposent. C’est une ville suffisamment grande pour se perdre mais aussi suffisamment petite pour croiser tous les trois cents mètres des gens que tu connais de l’armée ou du lycée. C’est à la fois une mégapole et un schtetel.” Ainsi s’exprime Etgar Keret (Les Méduses) à propos de Tel-Aviv, révélant ses contradictions, mais aussi son attraction naturelle pour une ville cosmopolite, ouverte sur la mer, traversée par les énergies des créateurs, des intellectuels et des cinéastes. Après une vague de films sur le conflit dans les années 90, le cinéma contemporain se recentre sur des questions liées à l’intime, la famille ou la précarité dans les grandes villes (Année zéro). Sans oublier le point de vue des nouveaux personnages du cinéma israélien : celui des immigrés légaux ou illégaux, d’origine philippine, russe, d’Europe de l’Est ou d’Éthiopie qui côtoient, ignorent ou affrontent les autres, Palestiniens et Israéliens. Tel un perpétuel cheval de Troie, les clivages et le brassage de Tel-Aviv remettent perpétuellement en cause localement le jeu de la politique du pays.

Le Forum des images : Forum des Halles / 2, rue du Cinéma / 75045 Paris Cedex 01

www.forumdesimages.fr

La mouture d’octobre est en ligne…ici

Présenté par Xavier NATAF, il sera question ce mois-ci des films :

Ultimatum d’Alain Tasma

Tu n’aimeras point de Haïm Tabakman

Adama de Dror Shaul

7 minutes au Paradis de Omri Givon

Le concert de Radu Mihaileanu

Inglourious Basterds de Quentin Tarantino

Les insurgés de Edward Zwick

Le chant des mariées de Karine Albou

La fille du RER d’ André Téchiné

Et le cycle du Forum des Images  » Tel-Aviv, le Paradoxe  » du 4 novembre au 6 décembre 2009

Bâtie en 1909, Tel-Aviv est envisagée comme “la première ville hébraïque”, symbole du renouveau sioniste en Palestine. Ainsi, le nom de la ville, “la colline du printemps” en français, est tiré du roman utopique du père du sionisme, Théodore Hertzl, “Altneuland”. Dans la vision sioniste, Tel-Aviv symbolise la volonté de créer en Palestine un État moderne et progressif, en rupture totale avec la culture juive de la diaspora. Cette ville sans passé, sans Histoire, “une ville née dans les sables”, est peuplée d’abord par des Juifs ashkénazes issus de la troisième vague d’immigration juive en Palestine, une population en majorité européenne et laïque. Dès le début, elle représente aussi une forme d’opposition à Jérusalem, ville historique, orientale et religieuse.

Une ville nouvelle

Le développement de Tel-Aviv soulève rapidement une contradiction, un conflit même, vis-à-vis du sionisme classique. Ses boulevards à l’européenne, ses parcs et ses jardins, ses théâtres et ses cafés, forment une entité trop bourgeoise et hédoniste au goût de cette idéologie pionnière, à forte orientation socialiste. Le sionisme va donc mettre en avant d’autres aspects de sa révolution, notamment la vie communautaire et le travail agricole dans les Kibboutzim, la création de villes nouvelles dans des zones désertiques, non exploitées jusqu’alors, comme le Néguev, le goudronnage de routes et l’essor de l’appareil militaire. C’est la raison pour laquelle Tel-Aviv est relativement absente des premières oeuvres du cinéma israélien. Appelé “réalisme sioniste”, par allusion au réalisme socialiste soviétique, le cinéma de l’époque constitue le porte-parole officiel de l’idéologie sioniste. Il s’agit d’actualités, de films
didactiques, mais aussi, à partir des années 30, de quelques films de fiction pionniers du cinéma israélien. Réalisé par Helmar Lerski, photographe et chef opérateur issu de l’expressionnisme allemand, Avodah (1935) est l’oeuvre la plus expérimentale de ce courant et aussi l’un des rares films de l’époque tourné en partie à Tel-Aviv. Or, Lerski a choisi de montrer la ville sous l’angle du développement urbain avec des images d’ouvriers, “pionniers du bâtiment”, construisant le port de Tel-Aviv. Au moyen d’un montage “soviétique” suggérant l’union entre l’homme et la machine, la ville s’intègre ainsi dans un contexte de valorisation et de glorification du travail
pionnier, alors que les images à connotation “plus bourgeoise” sont écartées du film.
Les choses évoluent dans les années 60, notamment avec l’arrivée au pouvoir de Lévi Eshkol. Remplaçant Ben-Gourion au poste de Premier ministre, il soutient le développement d’une économie libérale et du libre marché. Les grandes villes israéliennes connaissent alors une croissance extraordinaire, et Tel-Aviv, qui compte à ce moment près de 300 000 habitants, s’affirme rapidement comme le centre économique et culturel du pays. La ville s’ouvre au monde de la consommation, en adaptant progressivement les différentes
modes vestimentaires et culturelles occidentales.

La Nouvelle Sensibilité

Ce changement se manifeste dans le cinéma qui devient de plus en plus urbain ; les lieux de tournage “sionistes” ne sont plus alors qu’une affaire de nostalgie. C’est la Nouvelle Sensibilité, un mouvement moderniste né au milieu des années 60 et fortement influencé par la Nouvelle Vague française, qui prend en charge la représentation de cette évolution. La plupart des films de la Nouvelle Sensibilité se déroulent à Tel-Aviv, si bien que le mouvement et la ville sont fortement identifiés l’un à l’autre, de la même manière que la Nouvelle Vague française l’est avec Paris ou le jeune cinéma tchèque avec Prague. Tel-Aviv vue par la Nouvelle Sensibilité est une ville jeune, insouciante et bohème. Des films comme État de siège (Gilberto Tofano, 1968), La Pilule (David Perlov, 1968), Le Cas d’une femme (Jacques Katmor, 1969), La Robe (Judd Ne’eman, 1969) ou Shalom, la prière de la route (Yaky Yosha, 1972), en font le théâtre d’errance urbaine, de rencontres de hasard, d’intrigues amoureuses, parfois d’un désarroi existentiel. C’est aussi une ville très occidentalisée qui refoule en quelque sorte son aspect oriental. On peut voir là l’indice d’une certaine hégémonie culturelle ashkénaze et occidentale dans un pays situé au coeur du monde arabe et dont la moitié de la population était d’origine orientale (Juifs originaires d’Afrique du Nord et du Moyen-Orient, issus des grandes vagues d’immigration des années 50-60). Il faut attendre les années 70 pour voir la Nouvelle Sensibilité filmer une autre réalité israélienne, dissimulée celle-là dans les quartiers pauvres du sud de Tel-Aviv où vivait une population d’immigrés séfarades. Dans Lumière de nulle part (1973), Nissim Dayan, cinéaste d’origine syrienne, montre le quotidien d’un jeune du quartier dont les tentatives d’intégration échouent à cause de la pauvreté de sa famille, un environnement qui le
pousse finalement vers la délinquance. Ce film puissant, à l’origine de tout un courant de cinéma social en Israël, est fortement influencé par le néoréalisme italien : décors naturels, acteurs non professionnels (dont certains habitants du quartier), esthétique “brute” centrée sur la description très appuyée du quartier, de ses maisons délabrées et abandonnées et de ses façades sales et écaillées. Dans une perspective moins militante, Moshe Mizrahi met en scène dans La Maison de la rue Chelouche (1973) une famille judéo-espagnole d’Alexandrie installée dans le quartier populaire de Shabazi, au sud de Tel-Aviv. À travers le regard tendre d’un adolescent de quinze ans, le film décrit minutieusement la richesse de la culture séfarade qui cherche alors sa place dans une société israélienne “européanisée”, à la veille de la guerre d’Indépendance. Considéré comme chef de file de la Nouvelle Sensibilité, Uri Zohar réalise dans les années 70 la trilogie de la plage qui marque une autre évolution du mouvement. Les Voyeurs (1972), Les Yeux plus gros que le ventre (1973) et Sauvez le maître nageur (1977) ouvrent le cinéma israélien à la réalité méditerranéenne de Tel-Aviv. Ils mettent en scène des héros quadragénaires, mariés et pères de famille, qui refusent d’assumer leurs responsabilités familiales et sociales, préférant passer leur temps sur la plage à jouer et à draguer les filles. Cette vision tragi-comique des Vitelloni israéliens impose pour la première fois la plage inondée du soleil, la promenade du bord de mer, comme l’espace vital des Tel-Aviviens, le haut lieu authentique d’une population vivant en parfaite harmonie avec son environnement géographique et climatique. C’est aussi dans cette trilogie que le cinéma israélien révèle l’icône de Tel-Aviv : la haute cheminée de la centrale électrique du bord de mer, au nord de la ville. Ce n’est certes pas la tour Eiffel, mais son aspect simple et fonctionnel s’accorde bien avec une ville dont le bric-à-brac architectural a le mérite d’être à taille humaine et dont la beauté est liée à la jeunesse, à la vivacité et à la chaleur de ses habitants.

Le retour du refoulé politique

L’optimisme insouciant qu’affichait Tel-Aviv à cette époque se perd progressivement durant les années 70, période de désillusion pour toute la société israélienne. L’esprit de solidarité et de confiance est brisé au début des années 80 avec la guerre du Liban, puis avec la première Intifada, qui divisent profondément les Israéliens. Un sentiment d’étouffement s’enracine dans la société, lié également à la réduction des frontières du pays après qu’Israël a rendu le désert du Sinaï, occupé en 1967, à l’Égypte. La ville qu’on avait l’habitude de voir le jour, sous les ciels bleus, ouverte à la mer, devient au cinéma une ville nocturne qui tourne le dos à la mer, une ville habitée par des personnages vieillissants, épuisés et mélancoliques, qui arrivent dans la métropole pour y mourir. Symbole fort, le pub – confiné, obscur – est principal lieu de tournage de ces films. Dans des films comme Bar 51 d’Amos Gutman (1986), La Cage d’Amit
Goren, 1991) ou La Vie selon Agfa d’Assi Dayan (1992), les protagonistes fuient la violence politique du dehors et se réfugient dans l’alcool ou dans des passades commencées au pub. Or, cette violence politique finit toujours par les rattraper. Elle pénètre le tissu textuel du film d’abord sous forme de “simulacre” (l’écran de télévision du pub qui diffuse des images muettes de l’Intifada dans La Cage), puis par le biais de “l’Autre”, le serveur arabe du pub ou du restaurant, dont la présence obstinée annonce “le retour du refoulé” (La Vie selon Agfa, La Cage, et même dans le plus récent Mon trésor de Keren Yedaya).

De la ville blanche à la cité paradoxale

En 2004, Tel-Aviv s’est vu attribuer le titre de patrimoine architectural de l’humanité grâce à ses quartiers Bauhaus, au coeur de la ville. En effet, à sa naissance, Tel-Aviv servait en quelque sorte de laboratoire pour un certain nombre d’architectes européens, notamment allemands, venu en Palestine pour y “tester” les dernières trouvailles du Bauhaus et de l’architecture internationale. Cette attribution a soulevé une grande polémique en Israël : certains y voyaient une nouvelle tentative d’occidentaliser Tel-Aviv et de cacher ses racines orientales. Selon eux, le nombre de quartiers Bauhaus de la ville est réduit et sûrement inférieur à celui de certains quartiers populaires dont l’architecture est bien plus caractéristique de la géographie régionale.
Sans intervenir directement dans cette polémique, Amos Gitaï, architecte lui-même et fils d’un architecte Bauhaus, la commente à sa manière dans certains de ses films, notamment Devarim (1995). Ce film décrit la décomposition du corps sioniste dans le cadre de la ville moderne, Tel-Aviv, dont la décadence symbolise la dégradation de l’utopie pionnière. Cette métaphore est matérialisée dans le film par l’attention portée à l’architecture, dont celle du Bauhaus, censée représenter le rêve d’un État moderne et humaniste. Or, les immeubles que Gitai choisit de filmer sont souvent sales, délabrés, voire en ruines. La fatigue et le vide dominent l’existence des protagonistes, descendants des pionniers sionistes, qui finissent par s’égarer dans un autre lieu symbolique de la ville, le cimetière
local. Mais c’est le Journal de David Perlov (1973-1983), chef-d’oeuvre de l’école documentaire israélienne, qui révèle peut-être le mieux la spécificité si émouvante de Tel-Aviv. La simplicité apparente de l’urbanisme, l’architecture fonctionnelle, permettent ainsi au cinéaste de délicatement saisir ce qui fait l’essence de la ville, ce qui est au coeur de son charme : l’être humain.